blog 7: les hauts et les bas de paul gauguin

Pranav Chittharanjan : Les hauts et les bas de Paul Gauguin

Paul Gauguin, né le 7 juin 1848 et mort le 8 mai 1903, était connu comme graveur, sculpteur et peintre. Il a beaucoup voyagé. Il est né en France et déménagé à Rouen, Copenhague, Tahiti et les îles Marquises. Il avait 2 épouses et 7 enfants. Il est allé à une école de préparation de la marine et apres "Lycée Jeanne D'Arc". Ensuite, Gauguin est devenu un marine marchand et a été dans la marine pendant 6 ans. Il est rentré chez lui et est devenu courtier en valeurs mobilières après la mort de sa mère. Sa carrière de peintre s'inspire d'un collègue courtier en valeurs mobilières, Émile Schuffenecker et Camille Pissarro, peintre impressionniste. Il a peint pendant son temps libre et quand la bourse s'effondrera [stock market crashed] en 1882, il a décidé de devenir peintre à plein temps. Il a déménagé aux îles Marquises à la fin de sa vie, pour peindre et s'inspirer. Il y’est mort quelques années plus tard.

Gauguin est connu comme un artiste post-impressionniste, cependant il mélange à la fois des techniques post-impressionnistes et les impressionnistes dans ses œuvres d'art. Il a peint de nombreux sujets simples et des cultures différentes, et a inspiré les jeunes peintres à peindre des sujets simples et l'art abstrait en peignant cela. Il est surtout connu pour ses couleurs vives et qu'il a fait sa propre vie de la peinture. Il a aussi été très influent pour Pablo Picasso et Georges Braque lorsqu'ils ont fait le cubisme. Le cubisme est un art géométrique. Son utilisation de la couleur a aussi aidé le fauvisme à se développer. Deux de ses tableaux les plus célèbres sont «Spirit of the Dead Watching» et «The Yellow Christ». Ils sont célèbres parce qu'ils représentent des cultures différentes et religions et il utilisait des couleurs vives et simples avec un coup de pinceau fort et droit. En premier, Gauguin n’a pas eu beaucoup de succès, mais après un certain temps, beaucoup de gens ont aimé son art.

Cette œuvre d'art s'appelle «Femmes de Tahiti» ou en anglais, «Tahitian Women on the Beach». C’est une peinture à l'huile créée en 1891 et qui se trouve aujourd'hui au Musée d'Orsay. Gauguin a gagné l'inspiration en voyageant à Tahiti. La peinture représente un style impressionniste et un style post-impressionniste. Le sujet du tableau est 2 femmes sur la plage. Ce sont comme des femmes réelles et que personne ne sait qui elles sont. C'est une journée normale pour ces femmes. Elles ont l'air de penser et sont tristes. Elles sont au centre du tableau. Les couleurs qu'il a utilisées sont le jaune, le vert, le rouge, le blanc, le marron et le rose et les sont distinct et brillant. Il y a un motif très similaire à ses coups de pinceau et ils sont épais et facils à voir. Coups de pinceau les simples font imaginer facilement que vous êtes sur la plage avec elles. Je pense que cela représente la culture tahitienne et la vie quotidienne des femmes.

Gauguin lived a crazy life. He lived in many places and also joined the navy. He has traveled to many places to discover culture and life and to find inspiration. He mixed impressionist and post-impressionist techniques to create his own style. I admire that he transformed his passion into his work and that he never gave up. Like Gauguin, my passion is art, photography and videography. I want to become a photographer / videographer. It inspired me to keep doing the things I love. He also helped inspire young painters with his paintings from different cultures. I was surprised that he had 7 children and died very young.

Bibliographie

https://www.gauguin.org/tahitian-women-on-the-beach.jsp

https://www.britannica.com/biography/Paul-Gauguin

http://www.impressionniste.net/gauguin.htm (fr)

https://fr.wikipedia.org/wiki/Paul_Gauguin (fr)

https://www.musee-orangerie.fr/en/artist/paul-gauguin (fr)

Blog #7 | Les Fauves: La Vie et l’art d’André Derain

Les Fauves: La Vie et l’art d’André Derain

André Derain est né à Chatou, Yvelines, Île-de-France, juste à l'extérieur de Paris, en 1880 et il y reste pour la plupart de sa vie. Sa famille était dans la classe moyenne supérieure. Il a commencé à peindre à l'âge de 15 ans. Avant d'être artiste, Derain espérait réussir en ingénierie. Ses parents voulaient qu'il gagne beaucoup d'argent. Henri Matisse a convaincu ses parents de le laisser peindre comme son travail. Après, Il a commencé à étudier l'art à l'Académie Julian. Matisse et Derain ont peint ensemble, en utilisant des couleurs extravagantes, comme rouge, jaune, et bleu. Bien qu'il soit plus connu aujourd'hui pour la création de fauvisme, étrangement, son art conservateur était plus réussi à l'époque.  Il a reçu le prix Carnegie en 1928 pour sa “Still-Life with Dead Game” et a commencé à exposer à l'étranger, à London, Berlin, Frankfurt, et New York. Malheureusement, il est mort en Septembre, 1954.
Il était très influent, parce qu’il était le co-fondateur du mouvement Fauvisme, avec Henri Matisse. André Derain était un pionnier dans les arts, en ayant commencé l’utilisation des couleurs très bizarres et intenses. Avec Matisse, il a influencé de nombreux artistes dans le mouvement de cubisme et fauvisme. Derain a puisé son inspiration pour le cubisme dans l'art africain et a travaillé avec Picasso sur le développement du cubisme. ‘Les Arbres’, l'une de ses peintures les plus célèbres, montre des arbres d'une manière très bizarre et intense, avec des couleurs vives et contrastées. Il a utilisé des lignes et des couleurs très audacieuses qui n'étaient pas réalistes, quelque chose de nouveau dans l'art. Derain a changé son style très souvent et rejetterait l'art moderne, donc, des artistes plus âgés ne l'aimaient pas, mais il a été appelé "le plus grand pouvoir des jeunes peintres français".
À mon avis, la meilleure oeuvre de Derain est ‘Bateaux à Collioure’. Le sujet du tableau est un port, qui a beaucoup de bateaux sur un océan avec des gens qui marchent sur le quai. Derain a utilisé les couleurs très audacieuses et intenses pour des choses qui étaient généralement très simples. Par exemple, il utiliserait le bleu et le rouge pour les bateaux. Les lignes sont très floues, et la peinture est principalement remplie de gros points colorés. Aussi, je pense que c'est sa meilleure peinture parc qu’il a créé une belle scène avec juste des points. Cette oeuvre montre que l'on peut imiter la vie sans être réaliste, et je l’aime beaucoup. Cette peinture est une bonne représentation de l'idéologie d'André Derain. Il a dit que "Art must not be intelligent; art is a jouissance, an enjoyment.", et cette peinture convient bien. Ce n'est pas très détaillé, mais crée une scène belle et chaleureuse.
J’aime le style de Fauvisme parce que c’est très intense et non conventionnel, mais il montre des scènes très belles. J'aime surtout les oeuvres de Derain, parce qu’ils créent une ambiance calme, mais les oeuvres sont très simples. Par exemple, ‘Bateaux à Collioure’ crée une ambiance très chaude, et il ressemble à un jour d’été. Aussi, j'aime que Derain peint dans beaucoup de styles. Comme Derain, j'aime aussi faire une variété de choses, et je n'aime pas rester avec un chose.

 Bibliography:

https://www.larousse.fr/encyclopedie/peinture/Derain/151883#XKbHM52MFML5YrWu.99

https://fr.wikipedia.org/wiki/Andr%C3%A9_Derain

http://www.chambourcy.fr/culture-patrimoine-loisirs/maison-andre-derain

Le Style Artistique Dynamique de Louis Hayet

Le Style Artistique Dynamique de Louis Hayet

Louis Hayet était un peintre et pointilliste français post-impressionniste, et il est né à Pontoise le 29 août 1864 et mort à Cormeilles-Parisis, près de Pontoise, le 27 décembre 1940. Ses parents, Calixte Hayet et Léontine Dufour, étaient très pauvres. À l'école, il était timide et réservé, mais était considéré intelligent et doué. Quand il était jeune, il a voyagé avec son père qui était un vendeur ambulant. Après qu’il a travaillé avec son père, Hayet est allé à l'École nationale supérieure des arts décoratifs. Il a rejoint finalement le groupe de peintres néo-impressionnistes centrés sur Camille Pissarro, Paul Signac et Georges Seurat. Il a expérimenté la couleur, la texture et la lumière. Hayet a établi une amitié avec Camille Pissarro et le fils de Pissarro, Lucien, un an après avoir déménagé à Paris en 1885. Comme Seurat, Hayet travaillait souvent en plein air avec une technique qui préfigurait l'évolution de l'impressionnisme au néo-impressionnisme.

Louis Hayet était associé à Camille Pissarro, Georges Seurat et Paul Signac, trois des principaux acteurs du développement du mouvement artistique néo-impressionniste. Il a peint dans le style du pointillisme pendant un certain temps, avant de revenir à des styles plus classiques en 1890. En conséquence, Paul Signac a retiré son nom de son livre, qui est considéré comme le manifeste du pointillisme. Il a exposé pour la première fois en 1889, en montrant plusieurs œuvres au Salon des Indépendants, dont une peinture de la place de la Concorde qui est aujourd'hui reconnue comme l'une de ses plus belles œuvres, et une contribution majeure à la tradition du paysage urbain néo-impressionniste. Louis Hayet n'était pas un peintre pointilliste très connu comme George Seurat ou Paul Signac. Lorsqu'il s'a installé à Paris en 1885, il a installé un atelier à Montmartre, rue d'Orchampt et a gagné la majeure partie de son l’argent comme un peintre décoratif. En 1890, Hayet a été invité à son premier exposé à Bruxelles, et en 1894, deux tableaux sont inclus dans la sixième exposition de peintres impressionnistes et symbolistes à la Galerie Le Barc de Boutteville, où il a continué à montrer son travail pendant les trois prochaines années. Le critique d'art Félix Fénéon a écrit: "... la troisième table de M. Hayet est l'une des plus belles que les impressionnistes aient produites!” Il a été attiré par des thèmes tels que le cirque, les scènes urbaines modernes et les paysages. Ses peintures sont caractérisées par de petites taches de couleur.

Une des œuvres de Louis Hayet s'intitule Scène animée à Paris. Il a utilisé le style d'art pointilliste, une technique que Hayet utilise beaucoup dans ses peintures. C'est une scène de la vie quotidienne peinte de petits coups de pinceau, montrant une rue animée de la ville. Au premier plan, il y a beaucoup de gens qui marchent, et au fond il y a des bâtiments. Hayet utilise des lignes floues et des couleurs douces comme bleu clair et jaune pâle pour montrer l'harmonie tranquille de la vie courante. Il a montré le reflet de la lumière en utilisant le contraste des couleurs chaudes et froides. À cause des vêtements des gens et de l'arbre sans feuilles, le public peut voir que c'est une scène en hiver. Cependant, la lumière douce et jaune du soleil couvre toujours la scène.

J'ai pris mon premier cours d'art au collège Miller en sixième année. Le premier style d'art que nous avons appris était le pointillisme. Nous avons examiné des exemples de pointillisme dans les peintures et les bandes dessinées et je suis tombé amoureux de ce style d'art. Mon exposition préférée au Musée d'Art Moderne de San Francisco est l'exposition d’Andy Warhol, en particulier ses oeuvres de pointillisme. C'est pourquoi j'ai voulu écrire mon blog sur un artiste qui a fait de l'art dans le style pointilliste, comme Louis Hayet. La façon avec qu’il montre la lumière et la couleur à travers le pointillisme est vraiment belle, et le fait que son art soit si professionnel et si beau même s'il était autodidacte en dessin et en peinture m'a surprise.

Bibliographie

https://fr.wikipedia.org/wiki/Louis_Hayet 

https://www.louishayet.com/fr/fr/biographie-louishayet.html

https://louis-hayet.com/?-louis-hayet-.html

Paul Cézanne: Le Père de Tous

Paul Cézanne est né le 19 janvier 1939 à Aix-en-Provence et il y est mort aussi le 22 octobre 1906. Il était un enfant illégitime avec ses deux petites sœurs, Marie et Rose. Sa mère avait un ouvert-esperit qui influence le perspective et l’art de Cézanne. Cependant, son père a travaillé dans une banque florissante et il avait une vie ennuyeuse. Cézanne ne voulait pas devenir ennuyeuse comme son père. Au début de son carrière, son père n'était pas en accord avec ça, mais après, son père lui a donné un héritage de 40,000 francs quand il a fait son apprentissage à l'Académie de Charles Suisse. Lui et sa femme, Marie-Hortense Fiquet, se sont mariés en 1886. 

Cézanne a considéré le précurseur du mouvement post-impressionniste, du fauvisme et du cubisme, et aussi le père de l’art moderne. Il est un autre artist impressionniste qui le Salon a rejeté. Il peignait des portraits, la nature, les natures mortes (notamment les pommes) et quelques scènes religieuses. Les tableaux connus sont les perspectives différentes de la Mont-Saint Victoire. Il a utilisé les coups de pinceau petits, rudes et aussi grands pour ces tableaux. Il a influencé Matisse et Picasso a dit que <<il est le père de nous tout>> et <<mon seul et unique maître.>> Comme beaucoup de impressionnistes, il a peint les formes floues et ses portraits n’ont pas eu beaucoup de détailles clairs. Il a fait ressorti ses oeuvres en utilisant les couleurs intenses et foncés. 

Je décrirai “La Montagne Sainte-Victoire vue de Bellevue”. Ce tableau est une peinture à l’huile. Pendant sa vie, Cézanne a peint La Montagne Sainte-Victoire au des vues différentes. La scène de le tableau est pendant le crépuscule. Il l’est montre en jouant avec les couleurs chauds, particulièrement l’orange. Il aurait aimé la montagne et il a exprimé son amour en faisant les coups de pinceau doux. Malgré les formes floues, Cézanne a peint beaucoup de détailles clairs, notamment sur la montagne. Une chose intéressante de ce tableau est alors que la montagne est à l'arrière plan, elle est à la centre du tableau aussi. 

“La Montagne Sainte-Victoire vue de Bellevue” est le premier tableau de Cézanne que j’ai vu dans mon cours d’art. Après, j’ai appris qu’il a peint cette montagne avec les perspectives différentes. Je trouvais ce tableau incroyable le premier fois que j’ai vu. Il y a une autre connexion qui est plus personnel. J’aime aussi la variété dans ma vie, je n’aime pas la monotonie, et les tableaux de Cézanne reflètent la même idéal. Cézanne a utilisé beaucoup de techniques dans ses tableaux. Il n’a pas su les limites. Cézanne a grand influence sur les artistes après lui parce qu’il n’ai pas peur des art inconnu.

Blog #7: Le Père de Cubisme: Pablo Picasso; Une photo de Guernica

Blog #7: Homme Sauvage

    L’Homme Sauvage

Henri Matisse est connu aujourd’hui comme l’homme qui a créé le mouvement fauviste. Il est né le 31 décembre 1869  dans le Cateau-Cambrésis en France. Son père était marchand de grains, sa mère était peintre amateur, Il avait deux frères et Il était l'aîné. Il commençait sa vie professionnelle en travaillant comme clerc de notaire. Cependant, Il a eu un crise appendicite et Il ne pouvait pas bouger. Tandis qu’Il était malade, sa mère lui a apporté des toiles et des pinceaux.  A cause de ça Il a appris le plaisir de peindre. Après ça,  Il est allé Les Beaux Arts et étudier dans un atelier de Gustave Moreau. Peu à peu Il s'intéressait à l'impressionnisme et au post impressionnisme et Il a développé son style originale.

Le mouvement consiste des peintures qui expriment le partie d’homme qui est naturel et sauvage. Alors dans les tableaux de ce mouvement Il y a des couleurs violentes et les formes rudes.  Henri Matisse a aimé peindre les femmes nues au plein air, Il aimait aussi utiliser les couleurs chaudes. Quelques personnes décrivent ses tableaux comme bestial et c’est la raison pour le mot “Fauvisme”.  Quelques oeuvres de ce mouvement d’Henri Matisse sont La Femme au Chapeau et Le Bonheur de Vivre.Quelques artistes dans ce mouvement sont André Derain et Georges Braque. Il a été bien accepté par la communauté artistique parce qu’il lui a montré une nouvelle façon d’exprimer les émotions.

Un exemple d’un tableau d’Henri Matisse est La Femme au Chapeau. Ce tableau montre une scène de la vie courante avec une femme qui porte un chapeau étrange. Ce qui est bizarre de ce peinture, c’est que la femme et le chapeau sont faites en couleurs variées et violentes comme des verts, les vifs jaunes, et les rouges qui semblent le sang. Les coups de pinceau sont épaisses et très rudes, surtout sur le chapeau de cette femme. Ce tableau n’a pas beaucoup de détail alor, dans l'arrière plan il y a juste les carrés de couleurs. Le femme n’est pas jolie par les normes des societe, Elle est jolie parce qu’elle est le portrait d’une femme sauvage. Le signification de ce tableau est que l’homme est libre et Il doit pouvoir porter ce qu’Il veut. Au lieu de les normes de société, l'homme doit utiliser son instinct pour choisir des vêtements, parce qu’on peut utiliser des vêtements pour exprimer les émotions. Pour ces raisons, c’est un bon exemple d’un tableau du mouvement fauviste. 

J’ai choisi ce tableau parce que je pense que ses tableaux sont très uniques. Le mouvement Fauviste est vraiment intéressant et j’ai voulu le comprendre. Je n’ai pas pu comprendre ce que le mouvement fauviste représente exactement. Donc j’ai été très intéressé quand j’ai découvert que la signification est l’homme sauvage. Une chose qui m’a fait surpris, c’est que Matisse a devenu peintre à cause d’une maladie. Un très bonne chose a été créé par une crise. S’il n’avait pas été malade, nous n’aurions pas le fauvisme. Peut être, son maladie lui a montré ses vrai émotions en enlevant les autres aspects de sa vie  et lui inspire de les montrer au monde. 

Bibliographie

“Henri Matisse.” Wikipedia, Wikimedia Foundation, 30 Jan. 2020, fr.wikipedia.org/wiki/Henri_Matisse.

Moysan, Stephen. “Biographie D'Henri Matisse (1869-1954).” Biographie D'Henri Matisse, www.eternels-eclairs.fr/biographie-henri-matisse.php.

Rédaction, La. “Henri Matisse : Biographie Du Peintre, Chef De File Du Fauvisme.” L'Internaute : Actualité, Loisirs, Culture Et Découvertes..., Linternaute.com, 10 May 2019, www.linternaute.fr/biographie/art/1775158-henri-matisse-biographie-courte-dates-citations/.

Blog #7 Henri Matisse

Raymond Hsu P2 
Henri Matisse - beauté dans simplicité

Henri Matisse est né le 31 décembre 1869 au Cateau-Cambrésis et mort le novembre 1954 à Nice. Son père était un marchand de grains et sa mère était un peintre amateur. Initialement, Henri étudiait pour devenir un clerc de notaire à Saint-Quentin jusqu'à 20 ans quand il a contracté l'appendicite. Pendant la période où il restait au lit, il a reçu une boîte de peinture de sa mère pour l'occuper et les premiers tableaux de Léon Bouvier, que Matisse a pris des copies. Après ça, il a été inspiré de faire l’art. Avant sa formation à l’école des Beaux-Arts de Paris à l’atelier de Gustave Moreau, il a étudié le dessin à l'école Quentin de la tour. Matisse avait beaucoup de succès et lui et ses amis ont établi le mouvement fauviste avec ses tableaux. Bien que Matisse n'était pas le plus accepté par le monde artistique, il a mené un mouvement après 1905 et il a attiré beaucoup d'attention. Puis, après le début du fauvisme et l'augmentation de la reconnaissance de ses oeuvres, lui et sa famille pouvait vivre en confort. Ensuite, il y avait des gens qui collectaient ses oeuvres.

Initialement, il était du mouvement pointilliste mais éventuellement il a créé un style qui a utilisé les couleurs très violentes et discordantes. Plus précisément, ses oeuvres, qui inclut les peintures et les collages, sont caractérisés par la juxtaposition des couleurs plates et vives comme la rouge, le vert, l'orange, le bleu, et la jaune, et son style simple a moins de détaille comme les autres styles artistiques de la période. Les formes simplifiées sont créés en utilisant des coups de pinceau grands et rudes. Les sculptures rares de Matisse sont un peu simples et rudes mais ils capte l’essence de la motion et la forme du sujet qu’il sculpte. Son usage des couleurs a inspiré le mouvement fauviste dont il était un membre jusqu'à sa mort. Jazz, nu Bleu, L’atelier Rouge, La Danse, La Musique, et les autres sont les oeuvres par Matisse très connus. Un sujet trouvé dans tous les formes d'art que Matisse a fait est la figure humaine, typiquement les femmes, qu'il a utilisé parce qu'il pensait que les impressionnistes l'ont ignoré. Typiquement, il l'utilise pour indiquer ses sentiments et en occasion, la personnalité et l'humeur de ses sujets. Il a aussi peint les natures mortes mais au contraire aux autres artistes du temps, il [les] fait avec moins d'attention du réalisme, des détails, ou de la lumière. Il n'était pas bien accepté et ses oeuvres créaient beaucoup de polémique parce que son style d’art est plus différent que l’art plus détaillé de la période.

 La Danse est un groupe de cinq gens nus dansent dans un cercle à la campagne sous un ciel claire. Il n’est pas clair si tous sont les femmes mais il est évident que a minimum deux sont femelles. Matisse n’a pas peint la lumière mais il a utilisé les couleurs vives et plates comme les autres oeuvres qu’il a faisait. Le contraste entre les couleurs distingue les danseurs à l'arrière plan. Il a fait une grand simplification de leur formes. Les lignes, comme les formes, sont rudes et floues mais il sont aussi courbes. Matisse a créé des motions exagérées en peignant les formes simples et courbées à des perspectives différentes. Il [le'a] peint avec les couleurs orange pour les danseurs, vert pour la terre, et bleu pour le ciel. Les figures sont tordues, ce qui illustre des motions dynamiques et énergiques. Il symbolise un type de libération et unité entre les danseurs. Cette danse populaire et les mouvements exagérées des danseurs représente la vitalité primitive des humains.

J'ai choisi Matisse pour mon projet en part pour une raison arbitraire mais j’ai vu l’art de Matisse au musée et j’ai aussi entendu parle du style unique de Matisse dans ma première année de l'école en Art. J’ai beaucoup de respect pour la passion et l’effort qu’il a mis dans ses oeuvres mais son style est un peu étrange et brut à mon avis, donc j’ai voulu appris plus sur Matisse. Cependant, j'étais surpris après que j'ai entendu dire que Matisse est mort tout seul sans reconnaissance définitive de la communauté artistique. Cependant, la qualité et la grandeur de Matisse sont discutées par les artistes et critiques, et son influence incroyable sur le monde de l'art est indéniable.

https://fr.vikidia.org/wiki/Henri_Matisse

https://www.linternaute.fr/biographie/art/1775158-henri-matisse-biographie-courte-dates-citations/

https://www.guide-artistique.com/artistes/henri-matisse/

https://www.lumni.fr/dossier/vie-et-oeuvre-d-henri-matisse

Blog 7: La Chef du Mouvement Impressioniste

Edouard Manet est né le 23 janvier 1832 et mort le 30 avril1883 à Paris et il y a vécu pour la majorité de sa vie. Avant qu’il est devenu un artiste, il a essayé d'être officier de marine mais il a échoué à ses examens navals. En premier, ses parents ne l’ont pas soutiens, mais quand il a raté l’examen naval plusieurs fois, ils l’ont soutiens. Cependant, son oncle l'a toujours soutenu et a aidé à organiser des voyages au Louvre quand il était jeune. Quand il avait dix-huit ans, il a commencé à étudier sous Thomas Coutere. Il y allait souvent et voyageait beaucoup pour voir le travail d'autres maîtres. Après six ans, il a oeuvre son studio et a essayé d’entrer la Salon de Paris. Puisque ses œuvres avaient de la nudité, il a été rejeté plusieurs fois. Il est devenu amis avec Cézanne, Gauguin, Degas et Monet en voyageant aux pays comme l’Italie. Après qu’il leur a parlé, il peignait souvent des scènes de la vie quotidienne.

Edouard Manet est encore connu aujourd’hui parce qu’il est le chef du mouvement impressionniste et il a beaucoup d’oeuvres célèbres. Ses oeuvres qui sont les plus connus sont Le Déjeuner sur l’herbe et Olympia. Ils ont connus parce qu’ils sont beaucoup de coups de pinceau et les lignes rudes. A cette époque, cette technique était anormale et révolutionnaire. Les sujets uniques qui caractérisent son travail étaient les femmes nues avec des hommes qui portaient des vêtements, et la vie quotidienne. Les techniques qui caractérisent ses oeuvres étaient les couleurs foncées et les lignes floues. Ces œuvres n’étaient pas bien acceptés par la communauté d’artistes de son époque parce que les juges n'acceptaient pas la nudité dans l'art.

Le Déjeuner sur l’herbe est un œuvre plus célèbre de Manet. Le sujet est une scéne de la vie quotidienne où deux femmes nues manger dejeuner avec deux hommes qui portaient des vêtements. Les lignes du oeuvre sont flous et lisses avec les couleurs fonces et ternes. Il a utilisé les couleurs vertes et noires pour créer un contraste. Il y a beaucoup de coups de pinceau et à l'arrière plan il y a une forêt. Au premier plan il y a des vêtements et des nourritures par la terre. Au centre du oeuvre il y a quatre personnes. L'importance du oeuvre était montrer les différents rôles que les hommes et les femmes ont joués dans cette période.

J’ai choisi Edouard Manet parce que je trouvait interessant qu’il était le chef du mouvement impressioniste. Quand j’ai appris que Manet a épousé la maîtresse de son père qui était aussi son professeur de piano quand il était un enfant, j’ai été surpris parce qu’il y a un grand différence d’age.  Avant qu’ils sont maries, Manet a eu un enfant. Aussi, il n'a pas ennuyé son père en se mariant avec son professeur après que son pere est mort. Le salon de Paris n'a jamais accepté ses oeuvres parce qu’ils étaient trop révolutionnaires donc il les a montrés ailleurs au salon de Napoléon. Manet est mort dans la quarantaine de syphilis; ce que je pensais était très triste. La vie de Manet était à la fois tragique et intéressante parce qu’il était un pionnier.

Bibliographie:

http://www.impressionniste.net/manet.htm

https://www.beauxarts.com/grand-format/edouard-manet-en-2-minutes/

https://www.rivagedeboheme.fr/pages/arts/peinture-19e-siecle/edouard-manet.html