Blog #7: Ceci n'est pas Rene Magritte

Ceci n’est pas Rene Magritte

Rene Magritte était un peintre surréaliste qui est né le 21 novembre 1898 à Lessines en Belgique, d’une famille de tailleures modestes. Pendant sa vie, il a vécu en Belgique. Quand il avait 12 ans, il a commencé des cours d’art, mais deux années après, sa mère s’est suicidée en se noyant dans une rivière. Quand Magritte et sa famille y a découvert son corps, du tissu couvrait son visage, une image qui a inspiré l’art de Magritte. Il a étudié à l'Académie des Beaux Arts pour l'impressionnisme, mais il n’y a pas été inspiré. Après, il a obtenu un travail pour produire des affiches pour des publicités. Ensuite, il est devenu un peintre à plein temps. À sa première exposition, il n’avait pas eu du succès, mais après, il a rejoint les Surréalistes, où il en a gagné beaucoup. Il est devenu un chef de ce mouvement. Il est mort le 15 août 1967 à Bruxelles en Belgique.

Magritte était très important pour le mouvement de surréalisme en étant le chef. Il était connu pour la juxtaposition entre l'étrange et la vie quotidienne, un thème inspiré par l’oeuvre Chant d’amour par Giorgio De Chirico. Il a utilisé des lignes définies et des couleurs contrastées pour dépeindre ce thème. Ses oeuvres ont interrogé la réalité contre l’abstrait et ont contesté la perception humaine, comme dans son plus célèbre tableau, La Trahison des images (1928-29). C’est une peinture réaliste d’une pipe avec la légende: “Ceci n’est pas une pipe.” Beaucoup de gens ont été inspirés de réfléchir sur les rapports entre mot et représentation, et ils se sont demandés, “Pourquoi est-ce qu’un peintre peint? Est-ce qu’il a une raison pour imiter la réalité?” Ses oeuvres étaient bien acceptées pendant son époque, parce que beaucoup de personnes ont été inspirées par eux. Par exemple, les idéaux de ses oeuvres ont inspiré des artists pop, comme Andy Warhol, qui ont formé beaucoup d’art moderne.



Voici une des peintures de Magritte, La Grande Guerre (1964). Au premier plan, il y a une femme qui porte des vêtements blancs. Son visage est couvert par des fleurs violettes. Elle est devant un mur qui est devant un paysage de l'océan et le ciel. Magritte a dépeint les reflets de la lumière du jour avec des coups de pinceau minces et des couleurs lumineuses et pâles. Cette peinture est inspirée par la seconde guerre mondiale, puisqu'il était créé en 1964, et le nom y fait référence. La femme représente la guerre: entre les deux guerres, tout le monde l’a désirée (les hommes voulaient prouver leur virilité, les pays voulaient gagner plus de terre), mais on ne pourrait pas voir son visage, son vrai identité. On peut la glorifier avec des vêtements pompeux comme dans la peinture, mais son sac en peau d'animal indique que le combat est barbare et bête. En plus, les fleurs qui couvrent son visage sont des fleurs funéraires pour représenter les personnes qui meurent à cause d’une guerre. La Grande Guerre montre le contraste entre le prix actuel de la guerre et ce que le peuple avait pensé.

J'étais toujours intéressée par l’art de Magritte, et j’ai appris des choses de l’histoire de Magritte qui ont expliqué des styles et des thèmes qu’il a utilisé. Il m’a inspiré à penser au contraste entre la perception et la réalité. Pour moi, Magritte représente le pouvoir de portraiturer des images simples pour réaliser des interprétations différentes. Les oeuvres de Magritte sont équivoques; ils peuvent inspirer des significations différentes pour les personnes différentes, et ça c’est sa beauté. Comme les surréalistes ont dit, “Signification? Il n’y a aucune signification!”

Bibliographie:
http://magritte.brussels/
https://www.wikiart.org/fr/rene-magritte
https://fr.wikipedia.org/wiki/Ren%C3%A9_Magritte
http://psychologuebrest.fr/blog/la-grande-guerre-de-magritte-deux-tableaux-et-un-seul-titre/

Gustave Caillebotte, La Vie et Impact du Saveur d’Impressionnisme

Mini Biographie

 Gustave Caillebotte est né le dix neuf août 1848 dans une famille de la classe supérieure à Paris.  Son
 père Martial Caillebotte a été un juge et il a possédé une entreprise textile. Ils ont vécu dans la rue 
Faubourg Saint-Denis jusqu'à 1866, où ils se sont ensuite installés sur la rue de Miromesnil. Gustave a 
obtenu un diplôme pour être avocat, mais en 1870 il a été conscrit dans l'armée pour la guerre 
franco-prussienne. Après la guerre, Gustave a décidé d'être un peintre, et il a visité le studio de Léon 
Bonnat. Il a assisté à l'ecole de Beaux Arts, mais il n’y est pas resté pour longtemps. Pendant sa vie, 
Gustave est devenu amis avec beaucoup d’autres peintres impressionnistes comme, Claude Monet, 
Edgar Degas, Auguste Renoir, et Giuseppe de Nittis. Quand il a eu 34 ans, Gustave a pris sa retraite et 
il a commencé à faire de la jardinage et faire des bateaux. Il a acheté une propriété à Petit Gennevilliers 
et il y a passé beaucoup de temps avec ses amis. Gustave ne s’est jamais marié dans sa vie, mais il a été 
dans une relation avec Charlotte Berthier, qui a eu onze ans moins que Gustave. Il est mort en 1894. 

L’Influence

Gustave est encore connu à cause de ses techniques et des thèmes de ses oeuvres impressionnistes. Son 

style fait partie de la première vague de l'impressionnisme; il a utilisé les techniques de réalisme mais 

il a été influencé beaucoup par l'impressionnisme. Quelqu’uns de ses oeuvres très connues aujourd'hui 

est Rue de Paris, temps de pluie ou Les raboteurs de parquet, ce dernier n’a pas été bien reçu par le 

publique parce que pendant  ce temps, les seules gens dans la classe ouvrière qui pouvaient être dans 

une peinture a été les fermiers. Gustave a été connu pour ses peintures, cependant, il est mieux connu 

pour une autre raison: en donnant de l’argent aux autres peintres impressionnistes, il a permis le 

mouvement impressionniste à grandir. Il a acheté les oeuvres par Monet, Renoir, Pissarro, et beaucoup 

d’autres peintres impressionnistes.  Il avait eu peur que l'impressionnisme soit oublié, donc Gustave a 

négocié avec le gouvernement de France pour que les peintres impressionnistes soit montrées dans le 

Palais de Luxembourg. 

Analyse d’un Chef d’oeuvre 

 

Le titre de ce chef d’oeuvre est Rue de Paris, temps de Pluie, et il est une peinture très connu.

Maintenant, il est à l'Institut d’Art de Chicago. Au premier plan de cet oeuvre il y a un couple mais 

l'arrière plan est très semblable au premier plan ou il y a aussi des couples et les bâtiments. En utilisant 

les couleurs foncées et sombres, Gustave a fait une atmosphère mélancolique, pas une atmosphère très 

joviale comme les arts classiques. Au lieu de les lignes floues et épaisses, en utilisant les lignes lisses et

minces, Gustave a fait cette peinture être plus réaliste que les autres peintures impressionniste. Dans la 

peinture, tout le monde a l’air d'être coupé du reste du monde par son parapluies. Je crois que Gustave 

l’a fait pour dépeindre l'idée que, aux temps difficile, les gens essaient de cacher dans leur petit monde,

et oublier tout le reste.

Connexion Personnelle

La raison pour laquelle j’ai choisi Gustave Caillebotte a été parce que j’ai vu son oeuvre, Rue 

de Paris; Jour de Pluie, et j’ai pensé que cette peinture a été très belle et intéressante. C’est vrai que 

j’aime les oeuvres impressionnistes, mais je pense que cette peinture est spéciale parce qu'elle y a des 

aspects de l’impressionnisme, mais elle a aussi des aspects de réalisme. Je crois qu’il est très 

intéressante que même si Gustave Caillebotte n’est pas très connu pour ses peintures, il a contribué le

plus au mouvement impressionniste. Dans son testament, il a donné 19 oeuvres de Pissarro, 14 oeuvres 

de Monet, 10 oeuvres de Renoir, 9 oeuvres de Sisley, 7 oeuvres de Degas, 5 oeuvres de Cézanne, et 4 

oeuvres de Manet, au gouvernement de France, et tout ce qu’il a acheté pour aider ces artists. C’est 

avec son argent que les artists très connus comme Monet pouvait continuer de peindre et c’est avec son 

effort que l’art impressionniste a été mis dans le Palais de Luxembourg et est resté préservé pour le 

monde à voir. 

Bibliographie:

https://fr.wikipedia.org/wiki/Gustave_Caillebotte

http://www.impressionniste.net/caillebotte.htm

https://www.fnac.com/Gustave-Caillebotte/ia4140323/bio

https://www.jesuismort.com/tombe/gustave-caillebotte#biographie

http://www.moreeuw.com/histoire-art/gustave-caillebotte.htm

Blog #7: Henri de Toulouse-Lautrec et Ses Oeuvres

Henri de Toulouse-Lautrec et Ses Oeuvres 

                 L’artiste post-impressionniste, Henri de Toulouse-Lautrec, est né le 24 novembre 1864 à Albi et il est mort le 9 septembre 1901 à la maison de sa mère. Ses parents ont divorcé en 1865 et il restait avec sa mère pour le reste de son enfance. Quand il était jeune, il a cassé son fémur, et après sa jambe. Il a souffert des maladies osseuses donc il était immobile pour quelques mois quand il passait ses temps par dessiner ou peindre. C'était le début de son parcours artistique. Il a fini ses études d’art dans les ateliers académiques de Léon Bonnat et ensuite, il a déménagé à Paris. Il s'est immergé dans le théâtre, le vaudeville, les comédies, et plus. Il a obtenu la connaissance et trouvé le succès en créant des affiches pour les spectacles dans la ville.
                 Toulouse-Lautrec a promu des cabarets parisiens avec ses affiches. Henri de Toulouse-Lautrec était parti du mouvement post-impressionniste, mais le style de ses affiches était moderne à l'époque. Ses oeuvres très connues ont été inspirées par les grands cabarets, comme le Moulin-Rouge, et ses portraits ont été inspirés par des femmes, particulièrement celles aux bordels. Son affiche le plus célèbre est “Moulin Rouge: La Goulue”; c'était sa première lithographie de 1.8 m et il deviendrait un grand succès. Il était inspiré par l’art d’empreinte du bois japonais, mais il est connu pour ses oeuvres aquarelles, lithographies (comme les affiches), et dessins. Ses affiches devenaient célèbres en étant affiché à travers Paris et promeuvent des cabarets. Ses dessins n'étaient pas toujours acceptés à cause de ses portraits des femmes nues.
                 Une de ses oeuvres célèbres est “Bal au Moulin-Rouge”, est une peinture à l’huile qui représente une femme qui danse dans une foule de gens raffinés. Il a utilisé des couleurs pâles pour la foule et des couleurs vives pour les deux femmes pour mettre le centre d’attention sur eux. En utilisant des lignes floues, épaisses, et courbes à l'arrière plan, Lautrec a montré le soir ou la nuit, souvent quand les cabarets étaient animés. En ajoutant des petits taches de couleurs chaudes, nous pouvons voir les lumières qui apportent l’animation à la salle. Le contrast entre le comportement des deux femmes est une façon que Lautrec montrait l'excentricité des cabarets parisiens et des danseuses, comme Louise Weber (la danseuse dans ce tableau). Cette peinture est un bon exemple des modèles et des endroits avec lesquels Lautrec a préféré travailler.
                 Henri de Toulouse-Lautrec avait une vie intéressante bien que triste. Il est intéressant que s’il n’a pas décidé de continuer son passe-temps, il ne serait pas devenu un artist très connu. L’art est devenu ses passe-temps quand il était immobile à cause des maladies osseuses. Il souffrait de nombreuses maladies tout au long de sa vie, donc il est resté seulement 1,52 mètres de haut. Malgré ses incapacités, il a vécu une vie très occupée comme artist à Paris; il a fréquenté des bordels, pas pour son intérêt pour les prostituées mais pour les utiliser commes modèles pour ses oeuvres. Selon moi, ses affiches et son style d’art sont très reconnaissables et rétro, donc j’aime bien ses oeuvres. Je suis impressionnée par sa capacité de travailler dur et de réussir malgré ses difficultés.

Bal au Moulin-Rouge, (1890)

Blog #7: Claude Monet, le pionnier de la frontière Impressioniste

Claude Monet: le pionnier de la frontière Impressionniste

La vie de Monet a commencé au le cinquième étage dans le 9e arrondissement de Paris. Il est né le 14 novembre 1840 et ses parents ont été très contents avec un fils. Pourtant, il faut dire quelien avec Monet était besoin d’amélioration. Tout d’abord, son père voulu être un fournisseur des bateaux. Malgré tout, il est étonnant que Monet ait continué ses cours de l’art à Le Havre. Alors, quand sa mère est morte, Monet a quitté habiter avec sa tante à Paris. Il a vécu parce que sa tante a fourni une éducation. À la longue, Monet il est retourné à Paris pour étudier au Louvre. Avec Charles Gleyre, il a créé un nouveau style de peinture en étudiant l’art art classique. Pour comprendre sa success, il faut tout d’abord la révolution de sa Impressionnisme. Monet aurait pu un carrière dans l’entreprise familiale mais il a plutôt commencé en peignant la Société Anonyme des Artistes, Peintres, Sculpteurs, et Graveurs avec Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, et Alfred Sisley. Il a acheté une maison à Giverny où il a peint des peintures. En conséquence, la mort de Monet le 5 décembre 1926 était une perte.

L’influence de Monet sur la société de ses temps incontestable. En premier lieu, Monet avait beaucoup travaillé avant qu’il est devenu célèbre. Il était nécessaire que Monet persévère après son rejet du Salon de Paris parce que sans , nous n’aurions pas su les émotions subtiles de la nature. Considérons par exemple, comment Monet a saisi la nature en peignant; Il a pu le faire en utilisant les techniques des lignes floues, d’une forme abstraite, le contraste, et le reflet de la lumière. Monet voulait peindre la nature comme il s'a passé avant notre yeux. L’exemple le plus significance d'oeuvres de Monet est “Le Lever du Soleil.” Il peint au Havre. Tandis que Monet avait peint les autres peintures, y compris “La Promenade,” “Coquelicots,” et “Nymphéas,” il ne les pouvait exposer à la Société Anonyme des Artistes, Peintres, Sculpteurs, et Graveurs. Il était regrettable que l'Académie des Beaux Arts ne fasse pas approuver de l’oeuvre de Monet. Toutefois, le rejet de Monet est un exemple pour être attentif à notre monde.

Pour commencer, je pense que “La Promenade” par Monet est son œuvre la plus célèbre. Il n’est pas évident de la peinture que Monet ait peint son épouse Camille Monet et son fils, Jean Monet. Sans connaître l’histoire de Monet, on peut supposer que sa famille soit très important dans sa vie. Considérons par exemple comment Monet et son épouse sont amoureux. Il est triste de savoir que amour s’est terminé quand Camille est morte le 5 Septembre 1879. À mon avis, “La Promenade” est une preuve que le couple étaient heureux et la présence de Camille a amélioré l'art de son mari. Les techniques dans “La Promenade” exposent la pureté de Camille, la simplicité du vent de la nature, et l'intimité des Monets. En étant immergé la nature, Monet pouvait saisir les tourbillons du vent sur sa famille. Il a apprécié la tranquillité en peignant la nature. Monet avait utilisé la technique appelle “en plein air.” En fait, Monet préférait peindre en plein air parce qu'il pourrait aller aux scènes de la vie champêtre, de la vie courante, ou des allées dans les jardins. Prenons le cas de “La Promenade,” la peinture est en plein air montrer de la vie quotidienne. Monet avait saisi le reflet de la lumière des nuages et le ciel. C’est un exemple frappant de la contraste. Pour un autre point de contraste, il suffit de prendre Camille au premier et Jean à l’arrière. Jean ajoute de la profondeur par la lumière tout en étant à l'arrière. Son positionnement permet à Camille d’être la centre foncée. Je crois que la peinture signifie un moment de tranquillité dans la nature.

D’abord, il est convenable que je doive étudier Monet parce qu’il est mon artiste favori. J'ai vu pour la première fois le travail de Monet au Musée de Young à San Francisco quand j’étais plus jeune. En particulier, j’ai touchée par sa peinture series “Nymphéas.” Je continuerais à chercher les peintures de Monet aux musées différents. Pour donner un autre exemple, j’avais visité le musée Métropolitain d'art à New York où je n’ai que voulu voir “Bouquet de Tournesols.” Toutefois, quand j’ai visité le musée d’Orsay, j’ai compris que je n’avais pas vu tous les talents de Monet. Monet a changé le monde de l'art avec sa technique “en plein air.” Simplement, j’ai choisi de l’étudier parce que j’adore le reflet de la nature dans son art. Je me sens dans la nature en voyant ses peintures. Étant occupée, je peux oublier les émotions de la nature mais Monet nous aide à rappeler. Par la suite, j'ai trouvé en étudiant Monet, que j'ai été surprise de notre lien inhérent avec la nature. Malgré que Monet avait rencontré beaucoup d'épreuves, il a fait attention à sa famille et lui-même.

Bibliographie: 

https://deyoung.famsf.org/salle-de-presse/monet-réinvente-impressionnisme-nouvelle-grande-exposition 

www.metmusée.org/toah/hd/cmon/hd_cmon.htm   

https://www.musée-orangerie.fr/en/artist/claude-monet-0 

Le Père du Cubisme: Pablo Picasso

Le Père du Cubisme

Pablo Picasso est né en Espagne le 25 octobre 1881. Son père était peintre et il

travaillait aussi à “San Telmo”, une école de dessin. Quand Picasso était petit, il a
commencé à peindre des tableaux, créant sa première oeuvre à l’âge de huit ans. Plus
tard, Picasso a reçu un diplôme en étudiant à l’école de Beaux-Arts de Barcelone, et
dès qu’il a fini, il s’est installé à Paris. Pendant qu’il y vivait, il a peint la majorité de
ses oeuvres connues. Ses tableaux étaient influencés par les évènements de sa vie. Par
exemple, de 1901 à 1904, après le suicide de son ami, ses tableaux avaient l’air tristes.
Cependant, son mariage avec Fernande Olivier a commencé “La Période Rose”,
pendant laquelle ses oeuvres avaient l’air heureuses. Il s’est marié deux fois, alors, la
deuxième femme s’appelait Jacqueline Roque. Finalement, il est mort le 8 avril 1973
en France. 
Aujourd’hui, Picasso est connu comme le père du cubisme, mais il a fait partie du

surréalisme aussi. Il est devenu un des artistes les plus connus en travaillant avec les
matériaux différents dans ses oeuvres. Pendant “La Période Bleue”, Picasso n’a peint
que avec les couleurs froides pour exprimer sa tristesse. Après, Picasso faisait les sujets
de ses peintures heureux en utilisant les couleurs chaudes pendant “La Période Rose”.
Avec un autre peintre qui s’appelait Georges Braque, Picasso a fondé le mouvement
cubiste qui est caractérisé par les formes abstraites, qui sont créées en réarrangeant les
morceaux du sujet dans une forme géométrique. Ses oeuvres les plus célèbres sont
Guernica, Les Demoiselles d’Avignon, et La Femme qui Pleure. 
Picasso a peint Guernica en réponse au bombardement de Guernica, une ville en

Espagne, pendant la guerre civile espagnole. Cette peinture à l’huile est en noir et
blanc, qui représente le sérieux de la guerre. Les sujets sont les animaux et les
personnes dont les visages ont l’air de terreur pour démontrer la dévastation du
peuple d’Espagne. Il n’y a pas un arrière plan ou un premier plan parce que Picasso
a coupé les sujets en morceaux et les a réarrangés sur la toile. Il y a un contraste
fort de la lumière dans le tableau et les coups de pinceau ne sont pas visibles, ce qui
est typique pour l’art de cubisme. Je pense que Picasso a opposé la guerre et il voulait
que les gens fassent attention à la violence et la destruction de la guerre. 

J’ai choisi cet artiste parce que les formes abstraites m'intéressaient. Même si Picasso
n’était pas originaire de France, il travaillait avec un artiste français, Georges Braque.
Ensemble, ils ont développé le cubisme, un style d’art unique qui était très influent.
Aussi, j’aimais Picasso parce qu’il ne faisait pas les oeuvres seulement avec le
pinceau. En fait, il utilisait beaucoup de matériaux, notamment des métaux rares,
l’argile, du bois et plus. Quand j’ai appris que le nom complet de Pablo Picasso avait
23 mots, j’ai été étonnée.

Bibliographie:

https://www.grandspeintres.com/biographie-pablo-picasso/

https://www.guide-artistique.com/artistes/pablo-picasso/

http://www.oeuvres-art.com/guernica.html