lundi 2 mars 2020

C'est quoi l'influence? Alfred Sisley


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Alfred Sisley était un artiste français qui faisait parti du mouvement impressionniste. Il est né le 30 octobre 1839, et il est décédé le 29 janvier 1899 d’un cancer de gorge. Sisley venait d’une famille anglaise assez modeste. Ses parents étaient des marchands. Quand l’artiste était jeune, il a été envoyé à Londres pour étudier le commerce. Il était de retour en France en 1860 lorsqu’il abandonnait sa carrière pour se concentrer sur les arts. Après d’être accepté à l’École des Beaux-Arts de Paris, où il étudiait sous Charles Gleyre, Sisley a rencontré des artistes qui révolutionneront le monde visuel. Il est devenu amis avec Renoir, Monet et Bazille lorsqu’il peignait avec eux fréquemment. Puis en 1874, La Première exposition des peintres impressionnistes s’est déroulée, là où Sisley a présenté quelques oeuvres.
Durant le temps que Sisley étudiait dans l’École des Beaux-Arts, il a rencontré Monet et en admirant les oeuvres uniques de Monet, il a été étonné. Alors, il a décidé de peindre exclusivement les paysages, surtout des environs de France. Sa carrière avait commencé difficilement, le public l’a critiqué en disant que ses oeuvres manquaient de diversité artistique, les tableaux se ressemblaient trop. Par contre, le Salon a eu des opinions différentes parce qu’en 1866, l’impressionniste leur présentait son tableau, «Rue de village de Marlotte», et a été accepté. Quatre ans plus tard, la guerre franco-prussienne a laissé la famille Sisley en ruine, en dérangeant leurs affaires et en laissant quelques membres de la famille malades. Alfred Sisley a dû vendre ses peintures afin de vivre. Heureusement, il a rencontré un homme qui voulait ouvrir une galerie pour des artistes français, il s’appellait Durand-Ruel. Durant une de ses expositions, Sisley y présentait les tableaux du thème «L’inondation à Port-Marly». Malgré le peu de succès que Sisley a reçu, il a continué à peindre. 
Sisley commençait à peindre sur le thème “L’inondation à Port-Marly”, la série consistait de peintures qui représentaient le Port-Marly, une commune au de la France. Son style était différent, il ne peignait pas les personnages importants, comme dans les oeuvres classiques, mais il ne peignait non plus les scènes de la vie quotidienne, ses sujets consistaient de paysages, comme Monet. En regardant le tableau, on peut constater que l’eau a été peint avec de petites taches de couleurs, une technique inventée par Monet et utilisée très fréquemment dans l’art impressionniste. L’artiste a aussi utilisé des coups de pinceau épais et n’a pas trop mélangé les couleurs, par contre, cela donne à la peinture un sens de mouvement. La lumière qui reflète sur l’eau souligne les bâtiments au premier-plan et les nuages à l'arrière-plan jouent le même rôle. J’accorde de l’importance au tableau non-seulement à cause de sa beauté mais aussi parce que c'était une des oeuvres qui a aidé l’artiste à survivre durant des temps difficiles.

J’ai une perspective différente sur la carrière de Sisley. Honnêtement, il n’a pas été autant reconnu que Monet ou Renoir, mais je crois qu’il a influencé des gens parce qu’il était un bon exemple de la persévérance. Même quand qu’après tout ce qui lui est arrivé, il a été capable de lever un pinceau et continuer à peindre ses paysages. En plus, ses thèmes sont d'autres exemples la persévérance, même s’il s’est fait critiqué ou moqué par le peuple, il a continué à peindre ce qui lui a apporté de la joie.

La Vie Vivante de Vincent Van Gogh

Vincent Van Gogh est né le 30 mars 1853 en Hollande, et décédé le 29 juillet 1890 en France. Son père était pasteur et sa mère était la fille d'un relieur. À 16 ans, il a fait son apprentissage chez son oncle et il a arrêté ses études. Il est allé en Autriche, en Angleterre et en France pour trouver du travail, et a décidé en 1876 qu'il voulait devenir pasteur. Alors il est retourné à l'école, mais son école l'a rejeté. Pour cette raison, il a décidé de devenir peintre. Van Gogh a été inspiré pour peindre ses observations directes et son imagination, ses souvenirs et ses émotions. Pendant sa vie, il a vendu seulement une peinture: La Vigne Rouge. Une fois, après une dispute avec Paul Gauguin, il s'est coupé l'oreille. C'est pourquoi beaucoup de ses autoportraits manquent son oreille gauche. À cause de sa maladie mentale, il est mort trente heures après s'être tiré une balle dans l'estomac.
Van Gogh était un peintre post impressionniste. Van Gogh est bien connu aujourd'hui en raison de l'émotion qu'il est capable de transmettre à travers ses autoportraits. En persévérant dans son instabilité mentale, il a pu exprimer clairement ses sentiments à travers ses peintures. Il est également célèbre pour son utilisation de petits coups de pinceau ronds pour peindre la lumière. Son œuvre la plus célèbre, La Nuit Étoilée, comprend des couleurs riches et des petites taches de couleur pour montrer le mouvement du ciel et le calme de la scène. Ses autoportraits sont également célèbres, et il a utilisé des couleurs sombres pour montrer ses émotions et son instabilité mentale. La plupart de ses œuvres comprennent des petits coups de pinceau pour ajouter du mouvement et de l'émotion. Le travail de Van Gogh n’a pas reçu la reconnaissance au cours de sa vie. Les gens pensaient souvent que ses peintures étaient trop sombres et manquaient la vivacité lumineuse des peintures impressionnistes de l'époque. Cependant, Van Gogh est devenu célèbre après sa mort et son influence sur l'abstraction et la peinture à petits coups de pinceau est encore visible aujourd'hui.


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Le Café Terrace du Soir, 1888


Outre ses œuvres les plus célèbres comme La Nuit Étoilé et ses autoportraits, Le Café Terrace du Soir représente bien les techniques que Van Gogh a bien utilisées. Van Gogh représente très bien la lumière dans ce tableau. En utilisant des couleurs contrastées dans le ciel et les étoiles, il semble que le ciel refuse de s'assombrir. Il y a aussi un contraste dans la luminosité au premier plan et l'obscurité à l’arrière plan. Ce contraste donne à l'œuvre un sentiment de calme et de paix, ce qui est très rare dans les peintures de Van Gogh à cause de son instabilité mentale. Les couleurs riches contribuent aussi à cet effet. Les petits coups de pinceau rendent cette scène dynamique, comme si les gens, la lumière et les arbres bougent avec l'air. Mais, parce que les gens sont à l'arrière-plan, il y a un sentiment de solitude qui vient des problèmes mentaux de Van Gogh.
J'ai choisi Van Gogh parce que j'aime son style de peinture et j'ai vu beaucoup de ses chefs-d'œuvre, comme la Nuit Étoilé, en personne. Van Gogh exprime très bien l'émotion dans ses tableaux. Il les peint avec des petits coups de pinceau, donc, les gens apprécient l'effort qu'il a mis dans son travail. Ce qui m'a surpris, c'est comment il a pu peindre malgré ses conditions mentales. Je m'intéresse à son amitié avec Paul Gauguin. Une querelle avec lui a fait Van Gogh couper son oreille, c'est incroyable. Aujourd'hui encore, Van Gogh est une inspiration pour d'autres artistes parse que ses peintures vivent éternellement.


Bibliographie:

Blog #7: Le Travail d’Edgar Degas

Le Travail d’Edgar Degas
Edgar Degas était un artiste français et est né en 1843 et mort en 1917. Il a vécu quand l’impressionnisme était né, pendant la XIXème siècle. Il est le fils d’une mère Créole et un père bancaire, et le plus âgé de cinq enfants. Il a peigné quand il était jeune, a étudié la littérature au lycée et après, il a fait une atelier seulement pour ses tableaux. Mais son père a désiré qu’il aille à l’école de loi, qu’il a détesté, et après quelques temps, il était accepté à l’École des Beaux-Arts. En 1859, il a déménagé au Italie, où il a étudié et copié l’art de Michelangelo, Raphaël, et Titien (l’art ancien). Ensuite, il a déménagé à Louisiane pour une petite temps, mais après que son père avait tombé malade, Degas est revenu en France. Il aimait les peintures des autres artistes, et il les a collectés. Mais son frère a collecté plusieurs dettes, et Degas avait besoin de payer en vendant sa collection.
Il est connu aujourd'hui pour ses oeuvres impressionnistes et réalistes. Il était un artiste impressionist, mais il n’aimait pas cet nom. Aujourd’hui, il est connu pour ses portraits des danseuses de l'opéra, et aussi ses portraits de la vie quotidienne au Paris. Ses oeuvres plus connues sont L’Absinthe et La Classe de Danse-- ses techniques sont très claires de voir. Il a utilisé les lignes fortes et les couleurs intenses pour créer ses images, et avec le temps il a appris les techniques avec les peintures à l’huile et des pastels. Ses sujets uniques qui caractérisent son travail sont les danseuses de l'opéra. Ces oeuvres étaient un peu controversés, mais en generale il a eu une réputation pour ses dessins industriels. La controverse avait venue de sa sculpture La Petite Danseuse de Quatorze Ans, qui était vu comme moche et mauvaise par des critiques parce que Degas a créé la sculpture avec la réalité de la vie dans sa tête, pas l'esthétique ou la plaisir des autres personnes.  
Une de ses oeuvres clés est L'Étoile. Au centre d’oeuvre, il y a une danseuse principale sur un étape. A l’arrière plan, il y a les autres danseuses, mais la danseuse principale est vraiment l’étoile. Degas a utilisé les techniques impressionnistes, mais avec une mélange des autres techniques. Il a utilisé les petite lignes floues de couleur avec la peinture à l’huile. Ses couleurs sont foncés et chaudes, mais pas intenses. Les lumières de la scène sont réfléchit sur la grande jupe blanche de la danseuse principale, et cela est dans contrasté avec les plus obscure danseuses à l'arrière plan. La peinture donne des sentiments d’émerveillement avec la lumière et la beauté de la danseuse. Il signifie comment cet danseuse peut être pauvre et triste, particulièrement pendant le temps quand Degas a fait cette peinture (le mouvement Victorienne et la dystopie qu’il a créé), mais quand elle danse, elle est comme une étoile-- lumineuse et très jolie. 
J’adore beaucoup l’art de Degas pour des raisons. Je trouve sa façon de peinture très jolie et élégante, et j’adore comment ses lignes coulent et créent les images doux. Aussi, ses sujets sont très intéressants. Les danseuses ont une place dans ma coeur, et la façon dont il lui a peint est incroyable. Il a capturé le mouvement très fantastique, et avec seulement ses peintures. Il a peint les scènes des cafés aussi, et ils sont très vive et beaux. Une chose qui a me surprise est qu’il n’a pas envisagé lui-même comme un Impressionniste, mais aujourd’hui, nous appelons Degas comme ça!


Bibliographie


http://www.impressionniste.net/degas.htm
https://fr.wikipedia.org/wiki/Edgar_Degas

https://www.musee-orsay.fr/fr/collections/catalogue-des-oeuvres/resultat-collection.html?no_cache=1



dimanche 1 mars 2020

Blog #7: Le peintre passionné Pissarro

Le peintre passionné Pissarro

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Le boulevard de Montmartre, matinée de printemps, 1897
Camille Pissarro est né le 10 juillet 1830 à l'Île de Saint-Thomas, où il a vécu pendant son enfance. En 1842, son père l’a envoyé à la pension Savary à Passy en France où son talent pour le dessin a été découvert. Cependant, son père, qui s’appelait Frédéric-Abraham-Gabriel Pissarro, et sa mère, qui s’appelait Rachel Manzano-Pomie, voulaient que Camille travaille dans leur entreprise familiale de quincaillerie. Donc, après son retour, Camille y a travaillé pendant cinq ans. Ensuite, il est parti et retourné encore une fois, et puis son père lui a permis finalement de déménager à Passy pour étudier l’art et devenir peintre. Il a étudié sous Jean-Baptiste Corot, qui a influencé beaucoup de ses peintures. Il a aussi travaillé dans beaucoup de différents ateliers connus où il a rencontré beaucoup de peintres célèbres, comme Monet et Cézanne, avec lesquels il a travaillé. Pissarro était un père de l'impressionnisme parce qu’il a commencé à peindre avec ce style vers dix ans avant que la plupart des impressionnistes l’ont commencé. Il est aussi le seul peintre à avoir présenté des oeuvres à toutes les expositions impressionnistes de 1874 à 1886. Au sujet de sa vie de famille, il a eu huit enfants avec Julie Vellay. Commençant en 1866, Pissarro et sa famille ont vécu à Pontoise où il a composé beaucoup de ses oeuvres. Finalement, il est mort le 13 novembre 1903 à Paris.
Camille Pissarro était un artiste impressionniste qui peignait des scènes de la vie rurale française, surtout des paysages et des paysans travaillant dans les champs. Il a aussi peint une série de 14 tableaux du boulevard Montmartre. Le boulevard Montmartre, matinée de printemps est la peinture plus connue de cette série. Aujourd’hui, Pissarro est considéré comme un des chefs de l’impressionnisme. Au début, son style avait été influencé par Corot et des autres peintres du réalisme. Il a aussi traversé une période de l'intérêt pour le pointillisme. Dans ce mouvement, des artistes ont peint en employant des petites coups de pinceau rondes ou carrées. Avant sa découverte de l'impressionnisme, Pissarro a travaillé dans des ateliers. Mais après ça, il a commencé à travailler en plein air, et il a encouragé ses amis à faire le même. Au fil du temps, Pissarro a commencé à montrer dans ses peintures la juxtaposition des couleurs en utilisant des coups de pinceau de plus en plus petites de couleurs contrastées. Il utilisait beaucoup de couleurs foncées et pâles, mais il utilisait aussi des couleurs intenses, surtout pour peindre les arbres et les champs. Il n’était pas seulement un peintre; il était aussi l’auteur de lithographies et d’eaux-fortes. Ses oeuvres n'étaient pas bien acceptés par le grand public de son époque parce que les gens ont pensé que ses tableaux étaient mièvres et que leurs sujets n'étaient pas assez spectaculaires. Par conséquent, ses oeuvres étaient refusés aux Salons qui n’étaient pas pour les impressionnistes. Cependant, beaucoup d’artistes de l’impressionnisme et du postimpressionnisme l’ont admiré et étaient inspirés par lui. 
Le sujet de la peinture à l’huile Le boulevard de Montmartre, matinée de printemps est le boulevard Montmartre qui est à Paris. La peinture montre une scène de la rue avec des gens, des calèches, des arbres, et des bâtiments. Elle ne montre pas un événement spéciale, mais plutôt une scène de la vie quotidienne. Pissarro a peint le ciel et les nuages en utilisant des petits coups de pinceau. Il a utilisé des taches de couleur pour le reste du tableau, donc le tableau est flou et il semble rude en texture. Pissarro a aussi montré le reflet de la lumière en montrant les ombres des arbres et des calèches et en peignant la partie du tableau qui reçoit la lumière en couleur crème. La plupart des couleurs dans le tableau sont ternes et neutres (noir, blanc, et gris), mais Pissarro a peint quelques choses en marron, et il a aussi peint les arbres en vert. La peinture est une scène pendant le printemps, donc ce n’est pas très lumineux, mais ce n’est pas très sombre non plus. Je ne pense pas que Pissarro a eu une raison spécifique pour peindre ce tableau parce que c’est une scène de la vie quotidienne, mais je pense qu’il a peint la série de ce boulevard parce qu’il voulait montrer le boulevard aux différentes moments de la journée et aux différents saisons.
J’ai choisi de faire des recherches sur Camille Pissarro parce que j’aime l’art impressionniste et aussi parce que ses oeuvres sont très jolies et mignonnes à cause de son usage des petits taches de couleur qui donnent à ses peintures la texture. Cette technique ne lui a pas permis de montrer des détails minuscules, mais ce n’est pas important à moi parce que je pense qu’il peint bien le contraste et le reflet de la lumière. Aussi, j’aime voir ses peintures parce qu’elles me font sentir calme. Quelque chose que j’ai appris lors de ma recherche qui m’a intéressée est que Pissarro est un des grands peintres impressionnistes qui ont commencé à faire des choses dans la façon dont des impressionnistes a fait des choses. Par exemple, il a été un des premiers gens à travailler en plein air. Ça m’a choqué parce que Pissarro est tellement important à l'impressionnisme, mais il n’est pas aussi connu que des autres impressionnistes qui sont venus après lui. Je suis heureuse que j’ai choisi de faire des recherches sur Pissarro parce que j’aime son style de peindre et aussi parce que sa vie était intéressante.



Bibliographie:

Blog # 7 Saint Phalle et Ses Nanas


Saint Phalle et Ses Nanas
Niki de Saint Phalle est née le 29 Octobre 1930 à Neuilly sur seine, et est morte le 21 Mai 2002. Elle a vécu en France, mais après elle a déménagé à New York, aux Etats–Unis.  D’abord, pour sa première carrière, elle y était mannequin. Elle n’a pas eu une enfance tranquille; elle était le deuxième de cinq enfants, et son père était violent. Elle est allée à beaucoup d’écoles, mais elle n’a pas suivi une éducation pour l’art. Elle s'est battu avec la dépression quand elle est allée à l’hôpital psychiatrique, où elle s’est sauvé en decouvrant la peinture pour sa thérapie. Elle est allée en Europe avec son mari Harry Mathews, et ils ont eu deux enfants. Pendant les 1960s, elle était une partie de “Les Tirs”, un spectacle ou elle a crée l’art en tirant une toile. Ensuite ses sculptures plus connues, Les Nanas, ont créés en 1960. En trouvant la paysage, Saint-Phalle a construit Le Jardin des Tarots, un jardin des sculpture. Elle la crée avec l’aide de son mari Jean Tinguely. Avec lui, elle a fait les sculptures pour la Fontaine Stravinsky. 
Saint Phalle faisait partie du mouvement Nouveaux Réalistes, avec Jean Tinguely, Yves Klein, Gérard Deschamps, et Pierre Restany. C'est un style qui représent le monde moderne et urbaine avec le réalisme. Elle est plus connue aujourd’hui pour sa série des sculptures, les Nanas—les femmes rondes qui expriment le mouvement et le féminisme. Elle les a peints avec les couleurs vivantes. Elle a utilisé les matériaux uniques comme la laine. D’autre sculpteurs connues sont Le Jardin de Tarots, et la Fontaine Stravinsky. Le Jardin de Tarots a 22 grandes sculptures à base des mystères de tarots, en miroir et céramique. La Fontaine Stravinsky est un hommage au compositeur Stravinsky, et contient les sculptures flottantes. Elle a participé dans Le Tirs, en tirant les poches de peinture. Elle a changé la definition de l’art a son temps en créant les sculptures révolutionnaires pour le public et en les choquant avec les couleurs vives.
Une sculpture connue par Saint-Phalle est «My Black Heart Belongs to Rosy» ou «Black Rosy». Le sujet est une femme noire a la vie quotidienne, qui porte les vêtements avec les coeurs. Saint-Phalle a utilisé les couleurs vives et intenses pour les vêtements, mais elle les a contrastés avec la peau. Elle a crée le contrast en utilisant les couleurs chaudes avec le couleur bleu La sculpture est en tissue, laine, peinture, et filet. La femme se lève dans une façon exagérée, mais confiante. Saint-Phalle a voulu montrer la force et la beauté des personnes noires en sculptant le corps grand et gros. Cette sculpture en particulier est un hommage à Rosa Parks, qui était la femme noire qui n’a pas abandonné son siège sur le bus, en commençant lr mouvement des droits civiques. «Black Rosy» l’honore et signifie le pouvoir des femmes noires.
J’ai choisi Niki de Saint-Phalle parce que j’ai voulu choisir quelqu’un de différent que les artists que nous apprenions. Aussi, j’ai aimé beaucoup le Golem et La Fontaine Stravinsky; ils sont vivants et étranges. Quelque chose intéressent est le vrai nom de Saint-Phalle, lequel est Catherine Marie Agnès Fal de Saint Phalle, mais elle l’a changé pendant son enfance. J’ai été surprise avec le fait qu’elle ait été une supportrice ardente des mouvements féministes et noirs et elle les a promu en sculptant. Son travail tôt n’a pas été concentré sur la sculpture—elle a créé l’art comme les films en discutant son père violent et les tableaux similaires aux Nanas ou les Tirs. Elle a souffert avec de la dépression pour longtemps, cependant elle s’est sauvé en s’inspirant se mettre de l’art.



Bibliographie
“Biographie De Niki De Saint Phalle.” VisitMons, 5 Nov. 2018, www.visitmons.be/agenda/niki-de-saint-phalle-ici-tout-est-possible/biographie-de-niki-de-saint-phalle.
Le Nouveau Réalisme, mediation.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-nouvrea/ENS-nouvrea.htm.
“Nanas Et Activisme Social: Musée Guggenheim Bilbao.” Guggenheim Bilbao, www.guggenheim-bilbao.eus/fr/apprenez/univers-scolaire/guides-educateurs/nanas-et-activisme-social.
“Niki De Saint Phalle.” Niki De Saint Phalle - Vikidia, L'encyclopédie Des 8-13 Ans, fr.vikidia.org/wiki/Niki_de_Saint_Phalle.
“Niki De Saint Phalle.” Wikipedia, Wikimedia Foundation, 2 Feb. 2020, fr.wikipedia.org/wiki/Niki_de_Saint_Phalle#Biographie.
Rédaction, La. “Niki De Saint Phalle : Biographie Courte, Dates, Citations.” L'Internaute : Actualité, Loisirs, Culture Et Découvertes..., www.linternaute.fr/biographie/art/1775584-niki-de-saint-phalle-biographie-courte-dates-citations/.
Vazzoler, Marine. “Niki De Saint Phalle En 3 Minutes.” Beaux Arts, Beaux Arts, 26 Mar. 2019,
www.beauxarts.com/grand-format/niki-de-saint-phalle-en-3-minutes/.

Paul Gauguin et son aventure au monde de l'art



     Paul Gauguin est né le 7 juin 1848 et mort le 8 mai 1903. Il a passé son temps à Bretagne, à Polynésie, à Paris, à Panama, à Arles, etc. Il avait une femme danoise, Mette-Sophie Gad, et 5 enfants. Il a été le second lieutenant sur le trois-mâts Chili. Après, il est devenu agent de change avant de devenir artiste. Pendant sa vie, il a étudié avec les artistes impressionnistes comme Camille Pissarro et Ernest Chaplet. En outre, il a travaillé avec van Gogh pour un peu de temps, mais ça n'a pas marché. A Tahiti, il a peint des images exotiques.


     Gauguin est un personnage célèbre maintenant parce qu’il a beaucoup de chefs d’oeuvres des sujets exotiques. Il a fait partie du mouvement impressionniste mais plus tard il est devenu artiste post-impressionniste. Après avoir abandonné l'impressionnisme, il est devenu membre d'un mouvement appelé synthétisme (il est étroitement lié au cloisonnisme) qui était une forme précoce de post-impressionnisme. Ses oeuvres les plus connues sont: D'où Venons Nous / Que Sommes Nous / Où Allons Nous; Femmes de Tahiti; Vision après le sermon; Fatata te Miti. “Vision après le sermon” était sa peinture finale de l'impressionnisme avant le post-impressionnisme. Il représente Jacob luttant contre un ange. Il a utilisé des éléments d'art japonais parce que Gauguin aimait l'utile de rouge dans les oeuvres japonais. Gauguin est connu parce qu’il a peint avec son style unique en utilisant des couleurs expérimentales, des lignes fortes, et des formes simples. Dans ses peintures, il utilisait un grand mélange des couleurs et il y a souvent des couleurs fortes comme rouge, bleu, vert, jaune, etc. Il était célèbre après sa mort mais pas pendant sa vie.


     Une des oeuvres de Gauguin, Femmes de Tahiti, est connu par tout le monde des artistes, et Gauguin l’a créé en peignant des lignes courbes et rudes. Il y a des couleurs chaudes au premier plan. Si on n’y regarde pas, on peut voir des couleurs froides à arrière-plan. Dans la peinture, on peut voir aussi des reflets des lumières comme la marque de blanche sur la tête de la femme à gauche. Gauguin a aussi utilisé des formes rondes pour créer ses caractères et les dessins sur la plage. Les deux sujets sont des femmes de Polynésie. Elles se relaxent au bord de la plage, sans rien faire. Il n'a pas de but claire, mais c'est une peinture exotique appréciée par beaucoup de gens pour son histoire et pour son prestige.


     Gauguin m’a intéressé parce qu’il faisait partie des mouvements impressionniste et post-impressionniste. Il a adopté une approche différente à l’art qui comprend les éléments exotiques. Pendant mes recherches, j'ai découvert qu'il était connu pour ses couleurs vives comme bleu cobalt et vert émeraude. Il n’est pas connu seulement pour ces, mais aussi parce qu’il avait utilisé des formes simples. Il a voyagé partout en France, cependant, il est intéressant qu'il ait choisi de visiter la Polynésie pour son travail. Je pensais que cela lui rendait unique quand il est comparé avec les autres artistes de l'époque. Pour cette grande raison, j’ai choisi de rechercher l'artiste Paul Gauguin.


Femmes de Tahiti (1891)


Bibliographie :
https://www.franceculture.fr/personne-paul-gauguin
https://fr.wikipedia.org/wiki/Paul_Gauguin
https://www.rivagedeboheme.fr/pages/arts/peinture-19e-siecle/paul-gauguin.html
https://fr.wikipedia.org/wiki/Synth%C3%A9tisme

Le Roi des Cieux


Le Roi des Cieux
Eugène Boudin est né à Honfleur, un ville du nord-ouest de la France, le juillet 12 1824. Il est devenu un des premiers artistes qui a peint en plein air et a été connu pour ses scènes marines. En 1835, sa famille a déménagé au Havre et il a commencé à travailler comme assistant dans un magasin de papeterie et d’encadrement. Il a ouvert son propre magasin où il a rencontré des nombreux artistes tels que Jean-Baptiste Isabey et Thomas Couture. Ces artistes [l]’ont encouragé à poursuivre l’art, donc à l’âge de 22 ans, il a quitté son emploi dans le commerce et a commencé à peindre. Après sa première exposition au Havre en 1852, la ville lui a accordé une bourse de trois ans à Paris. Il [y] a rencontré Gustave Courbet qui [l]’a aidé à capter l’attention, ce qui [lui] a permis de faire ses débuts au Salon de Paris de 1859. Aussi, il a rencontré le jeune Claude Monet, qui deviendra un ami de longues temps. Plus tard, il a commencé une série de voyages en Belgique, au Pays-Bas, dans le sud de la France et en Italie. Venise est devenue une grande source d’inspiration pour ses œuvres. Boudin a reçu une médaille du Salon de Paris de 1881, la médaille d’or à l’Exposition Universelle de Paris en 1889, et la médaille de la Légion d’honneur en 1892. Enfin, Eugène Boudin est mort le 8 août 1898 à Deauville, France.
L’influence artistique de Boudin sur l'impressionnisme était considérable. En décidant d’avoir un style artistique qui n’était ni du classicisme ou du romantisme, il est resté déterminé à peindre en plein air. Boudin était connu pour son habileté à capturer les effets changeants de la lumière sur l’eau et le ciel. Des nombreux peintres impressionnistes [lui] doivent leur succès, comme Monet, car en inventant la scène de la plage en 1862, il [les] a influencés à explorer des scènes de la vie quotidienne. Le terme impressionniste est né de la première exposition indépendante de la Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, et Graveurs qui était mise en scène pour rejeter les idéals du Salon du Paris où Boudin a été invité par Monet avec des artistes tel que Renoir, Sisley, et beaucoup plus. Commençant avec peu de reconnaissance, bien que lent, son succès s’est accumulé lorsque son partenariat avec Durand-Ruel a été prouvé financièrement. Cependant, l'acceptation était arrivée trop tard car c’était très fatigant à continuer son travail. Le gouvernement français a acheté plusieurs de ses tableaux, dont le plus important, “La Rade de Villefranche,” est accroché à la galerie du Luxembourg. Beaucoup de ses tableaux se trouvent au musée Eugène Boudin, au musée d’Orsay, et au Louvre.
Trouville, The Jetties, High Tide
Trouville, Les Jetées, Marée Haute
Pendant le mouvement impressionniste, ses œuvres étaient remplies d’une source de lumière en variation constant. Ses couleurs ont commencé à devenir plus claires, et les coups de pinceau étaient des taches de couleur floues douces. Dans “Trouville, Les Jetées, Marée Haute,” les couleurs du ciel, des bateaux, et de l’eau sont grises et sombres. Il n’y a pas beaucoup de contraste entre les couleurs et la texture de l’ensemble. Contrairement à la technique classique, Eugène Boudin n’a utilisé pas de lignes pour définir ses peintures à l’huile. Le sujet est le quai de Trouville, représentant le retour de Boudin sur ses routes normandes.
J’ai d’abord choisi Eugène Boudin comme artiste pour ce projet car ses œvres étaient jolies. Ils avaient beaucoup de détails mais étaient peints de manière lâche. J’ai été surpris d’apprendre qu’il était une figure importante du mouvement impressionniste en influençant de nombreux artistes célèbres même s’il n’est pas aussi célèbre qu’eux. Ces mêmes artistes impressionnistes stimulerait un mouvement d’expression de soi et de créativité. Sa passion pour la mer et son parcours se retrouvent dans ses tableaux. Dans l’ensemble, son art et sa préservation sont une source d’inspiration pour les gens de cette époque et maintenant.

Eugene Boudin - Impressions of the Sea, rehs.com/eugene_louis_boudin_impressions_of_the_sea.html.
“Eugene Boudin.” Art Liste, www.artliste.com/eugene-boudin/.
“Eugène Boudin.” Biographie De Eugène Boudin – Eugène Boudin Sur Artnet, www.artnet.fr/artistes/eug%C3%A8ne-boudin/biographie.
“Eugène Louis Boudin.” An Extensive Study of the Victorian Era: Step Back into an Age of Paradox and Power; The Victorian Age Was Not One, Not Single, or Simple. The Victorian Era, www.avictorian.com/Boudin_Eugene.html.
Mccabe, Tom. “The Enduring Legacy of Eugène Boudin.” Freeman's, 1 Feb. 2019, www.freemansauction.com/news/enduring-legacy-eug%C3%A8ne-boudin.
Moreeuw, Ludovic. “Eugne Boudin.” Eugne Boudin Peintre - Biographie Eugne Boudin, Oeuvres, 2020, www.moreeuw.com/histoire-art/eugene-boudin.htm.
“Eugène Boudin.” Fnac, www.fnac.com/Eugene-Boudin/ia4140318/bio.